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Cuerpo a Cuerpo 2016. 4º encuentro de performance, música y vídeo

19 septiembre 2016 | Performance

El Centro de Arte La Regenta organiza la cuarta edición del encuentro de performances, música y vídeo Cuerpo a cuerpo. Su primera edición se presentó en el año 2007 como conjunto de acciones que indagaron tanto en el cuerpo como en el no-cuerpo (máquinas, tecnologías, audio, etc.). En esta nueva edición, Cuerpo a cuerpo 2016 mostrará trabajos que discurren por el delicado hilo que separa la performance de la danza, el teatro o el cine; el arte de la acción que produce un nuevo y enriquecedor espacio creativo. Performances, vídeos y música del 6 al 8 de octubre en La Regenta. Entrada gratuita.

Cuerpo a Cuerpo 2016. 4º encuentro de performance, música y vídeo

La cuarta edición de Cuerpo a Cuerpo representa una ocasión más para consolidarse como evento periódico destacado dentro del ámbito de la performance a nivel insular y nacional. Su continuidad y regularidad, sus completos programas de exhibición y de formación, que abarca todos los intersticios del “arte de acción”, entendida de una manera amplia, que incluyen manifestaciones que transitan en los límites de la performance, hacen de Cuerpo a Cuerpo un proyecto artístico con una clara aceptación por parte del público de las Islas.

Planteado, desde sus orígenes, como un espacio de confluencia donde los roles entre artista y público se desvanecen y se amalgaman, la aportación creativa que se genera se proyecta inevitablemente en una doble dirección de ida y vuelta. El contacto directo con los artistas y la búsqueda de una experiencia estética en “vivo” compartida hacen de Cuerpo a Cuerpo un evento con unas características propias y diferenciadas. Los contenidos de exhibición se completan con programas de videoperformance y de música, lo que potencia la diversidad de la oferta y permite la atracción de públicos con diferentes intereses y motivaciones, dotando al evento, a su vez, de un ambiente festivo.

Igualmente, la aportación teórica por medio de conferencias y talleres se hace fundamental para el Encuentro, lo que permite a la escena artística local intercambiar experiencias y conocimiento con artistas de otras latitudes, fomentar la profundización histórica, estética y creativa sobre el “arte de acción” y finalmente crear tejido cultural al propiciar una escuela de performers que en un futuro pueda enriquecer la programación de próximas ediciones de Cuerpo a Cuerpo.

“Streaming, transmitiendo arte de acción”

La palabra “streaming” se refiere a una corriente continuada, que fluye sin interrupción y también a la difusión de audio o vídeo. Su polisemia conecta, por otra parte, dos conceptos normalmente opuestos: “en directo” y “en diferido”. Si se acompaña del término performance, adquiere además un carácter experimental. Ante esta carga significativa, resulta tentador arrebatarle la expresión a la jerga internauta para ofrecérsela a otra forma de hacer arte.

En esta cuarta edición, “Cuerpo a Cuerpo” pretende superar las limitaciones del diferido para emprender una exploración colectiva en directo. Para ello, la propuesta lanzada a sus participantes ha sido la de involucrar al público en la experiencia colectiva del arte de acción o “performance art”.

Actualmente la performance es un medio de expresión artística habitual en el arte contemporáneo. Algunos de los factores que conducen a muchos artistas y creadores a expresarse a través de este lenguaje se deben a la larga tradición y normalización de las prácticas performativas. También a la posibilidad de interactuar con el público que, de esta manera, pasa a ser artífice de la experiencia artística, convirtiéndose el o la performer en el catalizador del mismo.

El arte conceptual reflexiona sobre la construcción y el papel del artista, y redefine las condiciones de receptividad y el papel del observador a partir de las aportaciones de Duchamp. La famosa frase de Joseph Beuys “Cada hombre, un artista” hace referencia a la idea originada a principios del siglo XX de pretender acabar con la idea del arte como una práctica aislada para llegar a conformar un concepto de arte más amplio, expandiendo la acción a un público participativo. También el happening en los años 50 se caracterizaba por la participación de los espectadores. Los happenings se integran en el conjunto del “performance art” e intentan producir una obra de arte que no se centre en objetos sino en eventos en los que la audiencia deja de ser pasiva y se expresa colectivamente. En busca de una participación espontánea del público, la improvisación y la imprevisibilidad también se dan en muchas manifestaciones del arte de acción.

El arte de acción es elegido como lenguaje por muchos creadores y contemplado dentro de algunas políticas culturales recientes. Esto no significa que se conozcan los mecanismos de gestión y producción mejor que sus pioneros. “Cuerpo a Cuerpo”, consciente de que las problemáticas que el arte de acción generó en las artes plásticas desde sus comienzos siguen vigentes, propone a los invitados a este cuarto encuentro el análisis de las mismas, dado que muchos de los participantes son a su vez artistas y gestores de eventos de ámbito nacional e internacional, reforzando de esta forma el carácter participativo de la propuesta actual en un sentido más amplio.

Hace años, para retransmitir un evento en vivo se necesitaba un equipo técnico muy complejo. Hoy en día, gracias al avance de la tecnología, resultada ser algo mucho más simple. Te invitamos a transmitirlo en las redes sociales, desde cualquiera de tus dispositivos, “en modo activo”, como un miembro más de este “Cuerpo a Cuerpo”.

Pedro Déniz
Comisario

Artistas participantes en ‘Cuerpo a cuerpo 2016’

CONFERENCIAS 

Fernando Baena.  Arte de acción en España.  Análisis y tipologías (1991 – 2011)

Bartolomé Ferrando. Sobre el fragmento, la repetición, el ritmo, la permutación, la aleatoriedad y la indeterminación en la poesía fonética y sonora

MESA REDONDA

Encuentros.

Simone Rüssli. (Colectivo Las Conejeras /Festival de Arte Performance) – (Arrecife de Lanzarote)

Fernando Baena. (FAAC)  Festival de Arte de Acción de Cuenca – (Ecuador)

Nieves Correa. (AccionMAD) – (Madrid)

Ana Matey. (Matsu + Exchange) – (Madrid)

Maricruz Peñaloza. (Performance Reihe Neu-Oerlikon) – (Zúrich – Suiza)

TALLER  

Narrativas del cuerpo.

Abel Loureda & Nieves Correa (Madrid)

PERFORMERS 

Javier Cuevas – (Tenerife)

Guillermo Lorenzo – (Gran Canaria)

Ana Matey – (Madrid)

Maricruz Peñazola – (Suiza – México)

Adela Picón – (Suiza-España)

Oliver Behrmann y Carlos Gamonal – (Tenerife)

José Otero – (Gran Canaria)

Roi Vaara – (Budapest) 

Bartolomé Ferrando y Truna – (Valencia)

Ana Matey  – (Madrid)

Adela Picón – (Suiza – Barcelona)

Oliver Behrmann – (Tenerife / Alemania)

José Otero – (Gran Canaria)

Roi Vaara – (Budapest)

JOP Bartolomé Ferrando y Truna(Valencia)

Bartolomé Ferrando – (Valencia)

Nieves Correa & Abel Loureda(Madrid)

MÚSICA

Malaspecto  – (Gran Canaria)

GAF – (Tenerife) 

DJ Rancio – (Gran Canaria)

VÍDEO

Ana Matey  – (Madrid)

Adela Picón – (Suiza – Barcelona)

Oliver Behrmann – (Tenerife / Alemania)

José Otero – (Gran Canaria)

Roi Vaara – (Budapest)

JOP (Bartolomé Ferrando y Truna)(Valencia)

Bartolomé Ferrando – (Valencia)

Nieves Correa & Abel Loureda(Madrid)

Femenino Plural  (Analía Beltrán i Janés y Paula Noya) – (Madrid)

Isabel León – (Granada)

Adassa Santana – (Tenerife)

Joaquín Artime  – (Gran Canaria)

A+A  (Alfonso León y Alicia Pardilla)(Gran Canaria)


ENTRADA GRATUITA para todas las actividades – Aforo limitado. 

Jueves 6 de octubre

18:00 – 19:00 Conferencia: Sobre el fragmento, la repetición, el ritmo, la permutación, la aleatoriedad y la indeterminación en la poesía fonética y sonora. (Bartolomé Ferrando)

19:00 – 20:00 Performance. Bailarina (Javier Cuevas)

20:00 – 21:00 Performance. Naturaleza muerta (Guillermo Lorenzo)

21:00 – 22:00 Performance. Improvisación sonora (JOP. Bartolomé Ferrando & Truna)

22:00 – 23:00 Música. (DJ Rancio)


Viernes 7 de octubre

18:00 – 19:00 Conferencia: Arte de acción en España. Análisis y tipologías (1991-2011). (Fernando Baena)

19:00 – 20:00 Performance. Sobre la participación (Ana Matey)

20:00 – 21:00 Performance. Con-tacto (Adela Picón & Maricruz Peñaloza)

21:00 – 22:00 Performance. Mi primer performance (Clases magistrales) (José Otero) 

22:00 – 23:00 Música. (Malaspecto)


Sábado 8 de octubre

18:00 – 19:00 Mesa redonda: Nieves Correa (Accion MAD), Fernando Baena (FAAC), Simone Rüssli (Colectivo Las Conejeras/Festival de Arte Performance en Arrecife de Lanzarote), Ana Matey (Matsu + Exchange), Maricruz Peñaloza (Performance Reihe Neu-Oerlikon)

19:00 – 20:00 Performance. Narrativas del cuerpo. (Nieves Correa & Abel Loureda)

20:00 – 21:00 Performance. Don’t Follow Me, I’m lost. (Roi Vaara)

21:00 – 22:00 Performance. Alien 9 (Oliver Behrmann & Carlos Gamonal) 

22:00 – 23:00 Música. (GAF) Este concierto tendrá lugar en la sala Mojo Club


Taller 

Narrativas del cuerpo. Nieves Correa & Abel Loureda

Martes 4 y miércoles 5: de 17:00 a 21:00 h.

Jueves 6 y viernes 7: de 16:00 a 18:00 h.

Sábado 8: de 10:00 a 14:00 horas

De 19:00 a 20:00 horas: Muestra pública del taller

Este taller propone una reflexión sobre el proceso de creación en base fundamentalmente al CUERPO, y su relación con el ESPACIO/CONTEXTO, entendido éste tanto desde lo formal como desde lo cultural y lo social y con la idea de TEMPORALIDAD como premisa. Desde el análisis de estos tres elementos formales se desarrollarán propuestas colectivas de intervención “no narrativas” que se mostrarán públicamente al final del taller.


Programa de vídeo

Femenino Plural (Analía Beltrán i Janés y Paula Noya)

Penélope II | 3´: 46´´ | 2010

A su servicio | 3´: 50´´ | 2010

Prozac | 3´: 18´´ | 2010

Ana Matey

Azúcar y vino | 5′:57″ | 2010

Como te enfrentas al vacío | 1′:16″ (sin audio)  | 2015

Todo gira | 3′: 26″ | 2008

Alimento para otros | 6′:49″ | 2015

Isabel León

International Day #9, Sleep | 0´: 50´´ | 2016

International Day #11, Fun Day at Work | 0´: 59´´ | 2016

International Day #13, Kiss | 0´: 58´´ | 2016

International Day #14, Monuments and Sites | 0´: 47´´ | 2016

International Day #16, Intellectual Property | 0´: 57´´ | 2016

Adela Picón

Lö-sung | 10´: 00´´ | 2015 / Cámara Nara Pfister, montaje Mauro Abbühl

Abigarrado | 7´: 00´´ | 1998 / Cámara Giorgio Andreoli

Roi Vaara

“Artist’s Dilemma” | 3´:34´´ | 1997

‘Follow Me’ | 0´:50´´ | 2013

Fragmento del I Encuentro Internacional Performance: IVAM / 14 de Febrero | 9´:50´´ | 2013

Nieves Correa & Abel Loureda

Historias de Madrid: Inauguración de la Linea 1 del Metro de Madrid | 8´:57´´ | 2004 / Vídeo: Fernando Baena

Bartolome Ferrando

‘Sintaxis’ – Performance poéticas 1 | 3´:56´´ | 1998

‘Inversión 3’ – Performance poéticas 3  | 3´:33´´ | 1999

‘En el interior’- Performance poéticas 4 | 5´:25´´ | 2002

JOP (Bartolome Ferrando & Truna)

Valencia 090316  | 4´:46´´ | 2016

Oliver Behrmann

Die young stay punk | 04´: 13´´ | 2012

Adassa Santana

Habitáculos para 7 años (acción 03 – Las Teresitas, TF) | 11´:55´´ | 2014

Habitáculos para 7 años (acción 04 – Las Teresitas, TF) | 7´:12´´ | 2014

Habitáculos para 7 años (acción 02 – Punta Brava, TF) | 10´:09´´ | 2014

Habitáculos para 7 años (acción 02 – Punta Brava, TF) | 10´:38´´ | 2014

Joaquín Artime 

Azúcar añadido vol. 2  | 11´: 38´´ | 2014

Caranaza | 4´: 57´´ | 2013

Letania | 2´: 31´´ | 2013

José Otero 

Echando días pa’trás | 4´:03´´ | 2014

A+A  (Alfonso León y Alicia Pardilla)

Intro innocence | 3´: 19´´  | 2012

About Innocence – “Running for III” | 2´: 32´´ | 2012

About Innocence – “Station” | 11´: 53´´ | 2012


Biografías

Roi Vaara. (Noruega, 1953). Creció en Helsinki (Finlandia) donde estudió en la Universidad de Arte y Diseño (actualmente, Aalto University) y en la Universidad de Jyväskylä. Es uno de los fundadores de Muu ry (1987), una asociación interdisciplinaria de artistas en Finlandia y es uno de los fundadores de IAPAO (Asociación Internacional de organizadores de Performance Art) en Essen, 2003. Ha causado controversia en el mundo artístico desde sus comienzos a principios de los 80, siendo uno de los artistas de performance en Escandinavia más reconocidos internacionalmente. Desde 1982 hace performance y desde 1988 ha participado en presentaciones con el grupo, Black Market International (BMI), cuyas obras exploran el arte como forma de comunicación simultánea. Ha actuado en festivales por todo el mundo, en la dokumenta de Kassel (Alemania-1993), Bienal de Venecia (Italia-2001, 2005), Bienal de la Habana (Cuba-2004) y Manifesta 5, San Sebastián (España-2004). Ha participado en más de 300 exhibiciones diferentes que han tenido lugar en más de 200 festivales en 35 países. En 2005 su trabajo fue recogido y mostrado en su retrospectiva Ars Fennica, en el Amos Anderson Art Museum de Helsinki. Vaara ha organizado y comisariado eventos tales como Poikkeustila, el primer festival de performance que busca reunir a artistas de toda Finlandia (1999). En 2001 organizó el Woodstock Festival de Performance, en Helsinki, que reunió a cerca de 300 artistas de más de 30 países. En el año 2000 recibió el premio estatal del Consejo de Artes de Finlandia, en 2005 el premio Ars Fennica, en 2010 Vaara fue galardonado con la medalla Pro Finlandia, y fue nominado al 5×5 CASTELLÓ, Premio Internacional de Arte Contemporáneo de la Diputación de Castelló, España. Vara vive y trabaja entre Helsinki y Budapest.

Fernando Baena. Licenciado en Bellas Artes en 1985 por la Universidad Complutense de Madrid, con especialidad en diseño, es Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Granada con la tesis, Arte de acción español (1991-2011). Cuenta con un afán de aprender irrefrenable por lo que ha adquirido experiencia docente, universitaria y no universitaria. Ha intervenido en conferencias dentro y fuera del ámbito universitario, así como la participación en trabajos de investigación y publicado varios libros. Ha recibido diversas ayudas a la creación, por parte de la comunidad de Madrid así como de la diputación de Córdoba. También ha recibido premios a las Artes plásticas en la diputación de Córdoba en 1993 y en la comunidad de Madrid en dos ocasiones (2003 y 2005). Ha participado en algunos festivales de Vídeo, como el II Festival de Vídeo 143 Delicias, en 2003, o 60 seconds Short Film Festival de Copenhague, en 2010, obteniendo en ambos el primer premio. Entre sus actividades están, las exposiciones, performance y proyecciones realizadas en diferentes lugares como Madrid y Córdoba en mayor número, aunque también en Brasil, Varsovia y Taipei en sus pasos fuera del área nacional. Ha participado en exposiciones, eventos colectivos, performance y cuenta con obras en el Museo Taurino de Córdoba, Diputación de Córdoba, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y Museo Arqueológico de Almedinilla. Ha desempeñado también diversos comisariados, participado en catálogos tanto individuales como colectivos y en prensa con intervenciones radiofónicas y televisivas.

Javier Cuevas. (Murcia, 1973). Es creador, dramaturgo, actuante y generador de contextos para las artes escénicas contemporáneas. Psicólogo y terapeuta familiar sistémico, se vincula a la música y la escena desde el año 1997 con formaciones como Super 8 y Sopassoup, colaborando en diversos proyectos escénicos y cinematográficos como compositor, actor y creador de espacios sonoros. Del 2008 al 2011 dirige el proyecto jazzístico Caro Ceice con la que realiza la gira No desembocan en el mar, al tiempo que trabaja como actor, compositor y músico en montajes de Cia. Ferroviaria y con diversos artistas vinculados a la creación contemporánea. Entre 2007 y 2010 coordina Centro Párraga, Espacio de Investigación y Desarrollo para las Artes Escénicas de Murcia, espacio privilegiado para el aprendizaje en torno a la creación, los creadores, los espacios y las redes. Desde 2010 reside y trabaja en Tenerife alternando proyectos de mediación cultural, como coach en torno a nuevos lenguajes dramatúrgicos y la escena contemporánea, la creación musical y escénica, y la dirección y coordinación del Laboratorio de Artes en Vivo del Teatro Leal de La Laguna. Obtuvo el Premio a la Mejor Interpretación Masculina en el Festival Indifestival-Miriñaque 2013, de Santander. En 2014 colabora como dramaturgista y actuante en Live (En vivo) de Carlota Mantecón. En 2015 codirige y comisaría el II Festival Sitio, Artistar la ciudad (Santa Cruz de Tenerife), colabora con la Sociedad Doctor Alonso en el proyecto El Desenterrador, con la creadora y coreógrafa Sonia Gómez en el proyecto Bailarina y en El Delicado y Resistente Hilo Musical, proyecto de Amalia Fernández.

JOP. (Bartolomé Ferrando &Truna). La Música de JOP es una música improvisada, sin ninguna estructura previa. Es una música que se organiza en base a la escucha atenta de lo que el otro hace. Escuchar atentamente exige estar situado de lleno en el instante presente, dejando a un lado cualquier apunte de finalidad o cualquier evocación o recuerdo. Escuchar atentamente contiene la capacidad de escucha de la propia pulsión interna. Pero para improvisar no basta sólo con saber escuchar. Hay que construir en el instante, en base a la escucha del otro, tu propia grafía o tu propia estructura, con capacidad para articularse con la forma propuesta por el otro, sin taparla ni ahogarla en ningún momento. La improvisación y la interioridad son aquí precisas. La primera facilita el hallazgo, mientras que la segunda provee construcciones rebosantes de sorpresa y de asombro.

Bartolomé Ferrando. (Valencia, 1951). Performer y poeta. Es profesor de performance y arte intermedia en la Universidad Politécnica de Valencia. Fue fundador de la revista texto poético y redactor en Boca de incendio  y Texturas, entre otras. Así mismo, coordina la Asociación de Nuevos Comportamientos artísticos (A.N.C.A.) en Valencia. Tiene obra en el Kunstmuseum de Hannover, el Museo Vilafamés de Castellón, en Xarxa Cultural en Barcelona y en The Ruth and Marvin Sackner of concrete and visual poetry, de Miami. No menos interesantes son sus otros ejercicios como conciertos, publicaciones, grabaciones, cursos, etc., entre los que cabe destacar su participación en los grupos: Flatus vocis Trío, Taller de Música mundana y Rojo, dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción. Ha realizado diversas exposiciones individuales de poesía visual y concreta en varias ciudades de España, Italia, Polonia, Suiza o Francia. Como performer participa en festivales y encuentros celebrados en Europa, Canadá, México, Ecuador, República Dominicana, Argentina, Chile, Japón, Corea, Singapur, Vietnam e Israel. Entre los premios y reconocimientos que ha recibido destacan los premios de la Diputación de Valencia, el Ministerio de Cultura, o el Premio ESPAIS a la crítica de arte.

TRUNA. (Andrés Blasco. Valencia, 1965). Considerado un neo-dadaista, o más bien un retro-futurista, se define como un “auto-luthier”, inventor y diseñador de instrumentos musicales con los que interpreta. Las raíces de su práctica artística se encuentran en el rock experimental, la improvisación libre, el post-rock, el performance, la danza contemporánea, el circo, instalaciones de sonido, etc. Antes de iniciar su camino en solitario como Truna, participaba desde muy joven en diversos proyectos musicales. En los años 80, formó parte del grupo Carmina Burana, lo que le permitió estar en contacto con diferentes compañías discográficas y realizar conciertos en España y Europa, participando en la Bienal de Arte de Tasalónica, Grecia, en 1990. Posteriormente, su música implica un lenguaje musical más personal, usando el collage como demuestra la edición del CD Granero Responde Ovejas, que incluye varias giras por España y Francia. Más tarde, formaría parte del grupo de Fitzcarraldo, antes de trasladarse a Bélgica, estancia en la que se convierte en un auto-luthier, dedicándose por entero a la creación de nuevos instrumentos, la experimentación musical y la creación de esculturas musicales electrónicas, algunas de ellas mostradas en exposiciones de arte y utilizadas como instalaciones interactivas, son una invitación para que el público participe tocando los instrumentos. Estas esculturas sonoras, que Truna también utiliza en sus actuaciones, son una mezcla de futurismo y patafísica. Su primer trabajo con video e instalación-música en directo se llamó Zoonírico-Capturar el sueño de los animales; inventó una máquina capturadora de sueños de animales y sobre un círculo en su cabeza proyectaba “el sueño del toro”, “el sueño del cocodrilo”, “el sueño del pato”… Fue presentado en 2005 en varios festivales, el Círculo de Bellas Artes y La Casa Encendida de Madrid. Este trabajo aglutinaba todas sus esculturas sonoras.

En 2010 recupera el Súper 8 y el género fantástico, llevándolo con su música al directo, muestra de ello es la sonorización en directo de una versión reducida de la legendaria película “King Kong” del año 1933, proyectada en Super 8. Su faceta musical se extiende a otras áreas como la danza, donde ha prestado colaboración en diferentes espectáculos, y piezas de encargo para diferentes artistas y exposiciones. Su producción se ha presentado en numerosos festivales de sonido y de vídeo-arte, en ciudades españolas como Madrid, Bilbao, Valencia, Barcelona, Tarragona, Toledo, y fuera del ámbito nacional en Berlín, Colonia y Bruselas, entre otras.

José Otero. (Las Palmas de Gran Canaria 1979). Formado en las universidades de La Laguna y Complutense de Madrid, reside desde el 2003 a 2016 en Berlín (Alemania) y actualmente vive en Las Palmas de Gran Canaria. Su trayectoria artística está fuertemente vinculada a la práctica de la pintura en una línea experimental, en donde la deriva del proceso creativo tiene más importancia que el tema en sí o la fidelidad a un estilo concreto. En este campo, en los últimos años viene desarrollando diferentes proyectos en colaboración con la artista Moneiba Lemes. Paralelamente a la pintura, José Otero también practica otras disciplinas como la ficción literaria, la música o la investigación académica. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en el panorama español como en el extranjero y ha realizado cinco muestras individuales en los últimos tres años, dentro de la que cabría destacar “eppur si muoveen la Sala de Arte Contemporáneo de Tenerife, para la cual se editó un HYPERLINK “http://www.joseotero.com/images/stories/documentos/catalogo jose otero.pdf” \n _blankcatálogo monográfico del artista. Su obra se encuentra en distintas colecciones públicas y privadas (Colección Comunidad de Madrid, Colección CAAM, Colección Gobierno de Canarias, Colección Mapfre) y es representado por varias galerías nacionales e internacionales: 100Kubik (Alemania), Tercer Espacio (Madrid) y HYPERLINK “http://www.joseotero.com/images/stories/documentos/entrevistasantaana.pdf” \n _blankSaro León (Las Palmas).

Como autor teórico escribe con asiduidad artículos en catálogos y publicaciones artísticas, entre la que puede destacarse el proyecto HYPERLINK “http://www.joseotero.com/images/stories/documentos/neutralizados-ensayos-de-artistas-que-escriben.pdf” \n _blankNeutralizados. Desde hace un tiempo mantiene el blog/bitácora HYPERLINK “http://www.chocao.blogspot.com/” \n _blankC H O C A O y también escribe ficción.

Guillermo Lorenzo. (Las Palmas de Gran Canaria, 1961), es un artista multidisciplinar, un polifacético creador que se resiste a ser etiquetado como compositor, instalador o artista multimedia. La pintura, presente en sus comienzos, sería la disciplina que lo llevaría a las artes escénicas, pues tras realizar varias exposiciones y escenografías, es a principios de los años 90, cuando inicia sus primeros tanteos en el ámbito del performance, incorporando a sus acciones el componente electroacústico. Tras su etapa como no-pintor, en 1997 lee las teorías del conocimiento de Malebranch y confecciona un tríptico instalativo sonoro inspirado en este autor, articulado por piezas que fueron programadas en el congreso internacional de música electroacústica de la UNESCO. Ya en 1998, con su obra 6/8 de hora para 6 pianos, es cuando el sonido, la danza y el color se conjugan para articular un nuevo modelo de celebración, sin parangón en ninguno de los artistas de su generación. Lorenzo compagina la creación sonora con la producción más conceptual de una forma absolutamente orgánica, integrándose en numerosas ocasiones en los campos y desdibujando todo sentido de categoría artística: corona montañas de Gran Canaria con la ayuda de helicópteros y telas casi kilométricas, pinta el Atlántico con coloristas tintes ecológicos y diseña juegos de mesa y pelota para los más jóvenes. Su obra ha sido expuesta, en Canarias (I Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias), Córdoba (MASE), Madrid (Conde Duque), Valencia (IVM-AMEE), Venecia (Pabellón de Japón, 48 Bienal de Venecia) o París (Instituto Cervantes). Se ha imbuido en el arte de corte político y ha sido merecedor de un encargo performático para representar a Canarias en la Expo Internacional de Zaragoza 2008 y el mismo año, en la 1 Semana de Cultura Contemporánea de Canarias en Miami.

Abel Loureda & Nieves Correa. (Madrid, 1960). Con una larga trayectoria por separado que se remonta a principios de los años noventa, tanto en el ámbito de la creación como en el de la gestión, en el año 2012 comenzaron una nueva etapa de trabajo en común seguros de que la aventura de un proceso de creación compartido sería siempre interesante, fructífera y divertida. Algunos de sus trabajos más recientes han tenido lugar en el Instituto Cervantes de Berlín, en Bbeyond Belfast de Irlanda, en Tonight de Helsinki, Finlandia, en ArtJaen, ZAZ Festival en Tel Aviv & Haifa en Israel, en el Museo Vostell de Malpartida, Cáceres, en el Festival Intramurs de Valencia, en el Hit Pareden Festival de Copenhague, Dinamarca, en La-Bás Bienale en el Kiasma Museum de Helsinki, Finlandia, en el Interakcje Festival en Piotr Tribunalsky en Polonia, en el Artpothek de Bruselas, en el Antic Teatre de Barcelona, en el Centro Párraga de Murcia, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, en Sierra Centro de Arte en Huelva, en La Nave Estruch en Sabadell. Han impartido talleres y conferencias en universidades, museos, Instituciones y centros culturales tanto de forma individual como en colaboración. Desde el año 2003 organizan el Encuentro de Arte de Acción Acción!MAD.

Ana Matey. Trabaja el arte de acción, la fotografía, la instalación, el vídeo y el dibujo. Artista, fotógrafa y dinamizadora cultural, estudió comunicación, técnico en imagen, fotografía y danza butoh con Masaki Iwana, Wendell Wells y Yuko Kaseki, entre otros. Fue cofundadora de EL Carromato, colectivo de fotógrafos y espacio multidisciplinar que existió durante cinco años en el Barrio de las Letras en Madrid. En 2012 cofunda HYPERLINK “http://exchangeliveart.com/”EXCHANGE Live Art junto con la artista Isabel León, desde entonces dan vida a este proyecto. Le interesan los procesos, recolectar, desplazar, la lentitud, el silencio, la sencillez, observar, reaccionar, experimentar desde lo vivencial. Por lo que el arte de acción es para ella el medio que mejor se adapta a sus intereses tanto en vivo como en otros formatos, el vídeo, la fotografía, el libro objeto, entre otros. Actualmente organiza talleres y laboratorios, encuentros, etc. Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y espacios alternativos, tanto a nivel nacional como internacional, por Europa, México, Canadá y Japón. Sus piezas han sido mostradas en el Museo Gugenheim de Bilbao, en el Centro de creación contemporánea, Matadero en Madrid, en Acción! MAD, en la exposición Cuerpo y Poder y Pasaje, de Fuencarral en Madrid, en FADO en Toronto, en el Instituto Cervantes de Berlin, en el Teatro Ateneo de Madrid, en el Festival Mother’s Tongue de Helsinki, en la Casa de las Conchas de Salamanca, en ANX en Oslo y en Catalist Art en Irlanda.

Adela Picón & Maricruz Peñaloza. Adela Picón. (Melilla, 1958). Pasa su infancia en Barcelona, donde Estudia Bellas Artes a caballo entre esta ciudad y Bilbao, licenciándose en pintura como alumna de J. Hernández Pijoan. Es miembro de la Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos VEGAP. Su experiencia entre dos culturas, viviendo con dos lenguas, le hace desarrollar una sensibilidad especial para las fisuras de la vida. Adela Picón observa y analiza la sociedad que le rodea. Su trabajo habla de un profundo interés por los seres humanos que encuentra y de la convicción de que en este mundo nos organizamos siempre de una manera provisional. El arte deviene para ella paulatinamente un medio no solamente para hablar de su propia vida, sino para investigar la sociedad y sus mecanismos ocultos, Así, en su obra se encuentran a menudo información codificada y signos enigmáticos. Ella analiza intensamente las reglas y las convenciones como lenguaje social, un lenguaje de gestos y comportamientos cotidianos que transmiten nuestras ideas e interpretaciones del mundo, de la misma manera que nuestro propio posicionamiento en él.

Es conocida por sus intervenciones artísticas en espacios públicos, considerándolos un lugar de encuentro, un espacio para el diálogo, en el que los signos externos de diferentes tradiciones, culturas, lenguas y religiones pasan a un segundo plano y en el que al mismo tiempo se ven cuestionadas referencias a la necesidad, la tradición, el pasado, la esfera pública y privada, la integración social, y el sentido de comunidad. Es autora de varias exposiciones a nivel individual y ha participado en varias colectivas en diferentes partes del mundo. Ha ganado el Premio a la mujer artista 2004, apoyado proyectos como Ciudad y cantón de Berna, servicio federal para la lucha contra el racismo.

Maricruz Peñaloza. (México). Es licenciada en Ciencias Políticas por la universidad de México y diplomada en Arte Visual por la Escuela de Erte y Medios de Comunicación de Zúrich. Sus proyectos como artista se desarrollan en el campo de la performance, la fotografía y el vídeo. Ha proyectado varias exposiciones y co-organizado eventos artísticos, en México y otros países. Desde 2003 es miembro de la Asociación Internacional de Organización de Arte de Perfomance y, en 2009 abre la galería de arte Magic Box twice is nice, en Zúrich.

Oliver Behrmann & Carlos Gamonal. Oliver Behrmann. (Santa Cruz de Tenerife, 1973). Estudóo Bellas Artes en la Universidad de La Laguna y en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos en Tenerife y Madrid. Es un artista multidisciplinar, entre sus campos de creación encontramos performance, instalaciones, acciones en espacios públicos, video presentaciones, etc. En sus comienzos trabajó como diseñador gráfico e ilustrador freelance para varios medios de comunicación mientras que, paralelamente, llevaba a cabo proyectos experimentales como Doña Destroyer, Artificial Paradise o Delay TV, en colaboración con otros artistas. En 2009 participa en la 2ª Bienal de Canarias, punto de partida para exhibir y participar regularmente en exposiciones celebradas tanto en Canarias como en otros puntos de Europa. Se autodefine como “ensuciador” multidisciplinar, ya que suele usar materiales pobres o sacados de la basura como base en sus trabajos, a los que interviene con grandes cantidades de pintura fluorescente. Su obra reciente se centra en acciones, performances, intervenciones e instalaciones, en las que utiliza luz, sonido, proyecciones u otros elementos multimedia. Suele jugar con la interpretación irónica y estetizada de temas trágicos como catástrofes, accidentes, la muerte y toda clase de miedos. Entre sus producciones más notorias se encuentra su instalación con 3000 peces fluorescentes: Fishing (Keroxen 11, Espacio Cultural El Tanque, Tenerife); In situ durante la muestra 25 Ft. (2011, Instituto Cabrera Pinto, La Laguna); su participación con la instalación Y Flash Gordon estuvo allí con calzoncillos plateados, en Juego de Máscaras (2012/2013, TEA/La Regenta, Tenerife/Gran Canaria); la muestra individual Deepwater Blues (2013, TEA, Tenerife); su intervención en Macht Kunst (2013, KunstHalle Deutsche Bank, Berlín); La New Fair (2013, La New Gallery, Madrid), o su obra crítica más reciente: Feliz 1974 (2014, Espacio Cultural el Tanque, Tenerife).

Sus intervenciones más atractivas han sido una serie de performances gastronómicas, realizadas junto al chef Carlos Gamonal, muestra de ello es: Alien Autopsies (2009-2012), realizada en Tenerife, Gran Canaria, Madrid y Londres, así como la realizada a comienzos de 2016 en la playa de La Tejita-Tenerife, donde ofrecía un falso cocktail con piezas hechas a partir de escombros de edificaciones turísticas.

Carlos Gamonal. (Santa Cruz de Tenerife). Fue el primer canario en obtener una estrella Michelin. Su mejor escuela fue su familia, en especial su madre, cocinera de los príncipes de Polignac, adentrándose definitivamente en el mundo culinario de la mano de un gran catador de quesos de Burdeos. Para él, la mejor cocina regional es la canaria y ha trabajado durante toda su vida con el objetivo de cuidarla y promoverla. Su disciplina, su esfuerzo y sus innovadoras recetas lo han hecho merecedor de numerosos premios y reconocido prestigio internacional.

GAF. Nace a finales de los noventa en Santa Cruz de Tenerife como proyecto artístico que reúne el conjunto de ideas del músico y agitador cultural Kurajica Mladen. Aunque, inicialmente el núcleo creativo tan sólo estaba formado por el propio Mladen, la formación no tardó en añadir colaboraciones, entre los que se encuentra el músico de Chicago, Rob Mazurek (Tortoise, Isotope 217),hasta que en 2007 se instaura como concepto de cuarteto formado por los músicos experimentales de la escena canaria, Felipe González Cabezas, César Chinarro y el saxofonista Olivier Dubois para proceder en 2010, a la consecuente grabación en Berlín de su disco Sociedad del bienestar, que es el primer volumen de una trilogía que se completará, también de la mano de Foehn Records, con la inminente publicación de los álbumes posteriores GAF & The Love Supreme Arkestra y GAF y La Estrella de la Muerte, en los que el elenco de artistas, y particularmente su música, varía su estilo y modalidad.

Con Sociedad del bienestar, GAF se nutre de la gama más variada de estilos relacionados con la vanguardia: del jazz cósmico hermanado con Sun Ra y Alice Coltrane pasando por el folk experimental en sintonía directa con bandas estadounidenses, pop minimalista, así como adquiriendo una notable influencia de la música concreta. Tras GAF y la Estrella de la Muerte, su formato de los últimos años es un sexteto y el tipo de música que practican sus componentes se inscribe más en el terreno de la psicodelia pop y el rock. Sin duda alguna, GAF otorga una bocanada de aire fresco a la escena experimental canaria, dibujando con su música horizontes inexplorados y dictando nuevas pautas de improvisación que lo definen como el grupo canario de música experimental con mayor proyección internacional.

Malaspecto. Dúo Pop (o pop punk, según se mire) integrado por Raúl Sánchez García, de Tenerife, al teclado y coros y Oscar Saturno Hernández, de Gran Canaria, a la voz. Malaspecto surgió en La Laguna (Tenerife) en junio de 1999 como grupo paralelo a otro, El Capitán Esmegma y sus Poluciones Nocturnas, para dar salida a otras inquietudes, inspirados e influenciados por lo que hace unas tres décadas hicieran grupos como Aviador Dro, Glutamato ye-ye, Almodovar y Macnamara, Alaska y los Pegamoides, Derribos Arias, los tinerfeños Dinámica Subalterna y otros grupos coetáneos españoles, así como por grupos extranjeros igualmente pretéritos como Suicide o Soft Cell.

En la primavera de 2002 publicaron el que hasta ahora ha sido su único disco, Malaspecto, a través del sello discográfico Ruin Records de Gran Canaria, que fue autoproducido. Este constaba de 21 temas, propios excepto dos. A finales de 2013 este disco fue reeditado por El Hombre Bala Records de Tenerife. De 1999 a 2005 dieron cerca de 30 conciertos, la mayoría en las dos islas capitalinas, y después de casi 9 años en barbecho, en 2013 regresan para deleite de sus fans y desde entonces han dado una docena más.

DJ Rancio. (Oscar Saturno. Las Palmas de Gran Canaria, 1976) Se define como DJ Rancio porque su selección es obsoleta, su técnica precaria, sus medios cutres y su experiencia, limitada. Desde muy temprana edad accede a la música, tanto de su época como de décadas pasadas, mayoritariamente de los 50 a los 80, que conforman el grueso de lo que escucha, disfruta y pincha. Se considera un defensor del intrusismo y del amateurismo “artístico” y musical, en cuanto a valorar más las ideas y la necesidad de expresión, que la calidad de ejecución o la técnica, y opina que la falta de experiencia o de formación específica no es impedimento para poder comunicar y transmitir eficazmente. Para él, escribir las letras de los grupos a los que pertenece (El Capitán Esmegma y sus Poluciones Nocturnas, y Malaspecto), cantarlas sin saber cantar, hacer música sin ser músico y golpear el teclado sin saber tocar, sólo por el hecho de expresarse y divertirse, le lleva a sentir que no es necesario ser un profesional para mostrar y compartir parte de la música que le gusta, le emociona y le divierte, la cual conoce bien y forma parte de su vida. Antes que un Dj o un pincha discos, sería más bien simplemente un selector en el sentido de que no hace mezclas, sino que solamente reproduce un tema tras otro, en ocasiones abruptamente y sin sutilezas, puesto que no juega con las velocidades ni las frecuencias e ignora la mayoría de los parámetros de compatibilidad y continuidad de unos temas con otros.

Aunque pinche música obsoleta de la era analógica, lo hace con el portátil, temas en formato mp3, que ni siquiera están pasados en alta calidad, porque para él, frente a la mayor operatividad que proporcionan, la pérdida de calidad sufrida no es un factor lo suficientemente importante. Y de hecho muchas de las cosas que le gustan ya sonaban cacharrosamente desde el momento de su ejecución y grabación.

Simone Rüssli. (Lucerna-Suiza, 1961). Es diplomada en Pedagogía, en 1982, ha profesora en la Escuela de Arte de Lucerna. Se ha formado en baile contemporáneo e improvisación con Kurt Dreyer en París, con la beca Cité Internationale des Arts de Paris y en expresión corporal con Hiro Uchiyama. Su trabajo abarca varias disciplinas artísticas: performance, escultura, dibujo, video, instalaciones y proyección en espacios públicos. Ha participado en diversas exposiciones y festivales audiovisuales, algunos realizados en colaboración desde 2005 con Patrick Germanier.

Femenino Plural. (Analía Beltrán i Janés y Paula Noya) Realizan una obra de video conjunta en la que se muestra la visión particular de cada una de las artistas, acerca de la visión de la mujer en primera persona como obra autorreferencial. El proyecto consiste en el diálogo entre diferentes formas de trabajo. Mediante el arte de la performance este proyecto presenta acciones significativas, paradigmáticas y en todos los casos, metafóricas. Una metáfora visual en la que el espectador puede identificar momentos recurrentes en la vida de las mujeres. En cambio en el formato video surgen cuestiones formales como la iluminación, los planos, el color, el montaje, el sonido…

Isabel León. (Cáceres).Vive en Granada. Artista, dinamizadora cultural independiente y docente. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y becada “Erasmus” en Atenas (Grecia) y “Promoe” en La Habana (Cuba). Master Oficial en Producción e Investigación en Arte de la Universidad de Granada con el trabajo TFM El arte de acción. Herramientas y recursos para su enseñanza. Su obra ha evolucionado desde la fotografía y el vídeo al arte de acción, práctica a la que se dedica desde el 2007 casi de manera exclusiva, participando en numerosos festivales, encuentros de arte de acción y residencias, en los que cabría destacar: Museo Vostell Malpartida (2016, 2009 y 2007), Museo de Arte Contemporáneo de Tetuán (2015), Festival MEM Bilbao (2015), Casa de las Conchas (2015), Acción!MAD (Madrid, 2015, 2009, 2001), FADO, (Canadá, 2015), SAARI Residence (Finlandia, 2014), EAA Grants (Oslo (Oslo-Noruega, 2014), Sierra Centro de Arte (Huelva, 2013), Abierto de Acción (Cartagena, 2014, Jaén, 2013, Murcia 2011), PoesiAcción! (Instituto Cervantes de Berlín, 2011), NauEstruch (Barcelona, 2010), Centre de Cultura Contemporánea Octubre (Valencia, 2010), La Muga Caula 4 y 5 (Girona, 2008/09) o FEM (Girona, 2008). Su pasión por la performance le empuja a organizar y promover la práctica y el acercamiento al arte de acción, coordinando el proyecto EXCHANGE Live Art junto a la artista Ana Matey, en el que investigan sobre la comunicación, tomando el arte de acción como base, y con el que realizan residencias, laboratorios y encuentros. Combina su práctica artística y la gestión con la docencia, impartiendo talleres y coordinando grupos de trabajo en diferentes contextos e instituciones como centros de arte, universidades y espacios independientes.

Adassa Santana. (Las Palmas de Gran Canaria, 1984). Licenciada en Bellas Artes por la universidad de la Laguna y con un Máster en Arte, Territorio y Paisaje en la misma universidad, es una artista multidisciplinar cuyos trabajos abarcan el dibujo, la pintura y los bordados pasando por las instalaciones. Desarrolla su investigación artística en la relación del sujeto con su espacio privado y los lugares que éste habita de forma pasajera, así como su representación en imagen como individuo y la influencia de los mass-medias en ello.

Joaquín Artime. Su trabajo parte de una obsesión autobiográfica por registrar todo aquello que le circunda o preocupa. Esto se plasma en instalaciones que tienen en común el despliegue archivístico de elementos de pequeño formato construidos con diversos materiales. En ellas presenta un especial interés por el residuo como elemento revelador de lo acaecido. En cada ocasión busca un lenguaje y técnica que se adecúen al objeto de su estudio, estrechamente relacionado con un cuerpo herido/hiriente (el suyo), la memoria y la construcción lingüística de la misma. El análisis de su cuerpo ha supuesto su accionamiento a través de la performance, la cual enfoca como un acto simbólico que materializa la incertidumbre interna que le azota. Su grabación en vídeo constituye el origen de la gran mayoría de sus piezas, en las cuales la pintura, el dibujo, la fotografía, el apunte y la escritura también son habituales. En el último año se ha centrado especialmente en la palabra como signo que ha perdido su capacidad para comunicar u ofrecer diálogo. Al no disponer de una fusión de horizontes, la comunicación se presenta como una meta inalcanzable, siendo de este modo imposible construir un discurso, ya sea hablado o escrito. Y es en este contexto donde el cuerpo se presenta como ejecutor, portador y destructor de la palabra.

A+A (Alfonso León & Alicia Pardilla). Fruto de la colaboración en el proyecto fotográfico Memorias del Dolor (Alfonso León -Septiembre, 2011) surge A+A, (Alfonso León y Alicia Pardilla), artistas visuales que ponen de manifiesto un punto de vista particular sobre cuestiones conductuales, existenciales, sociales, psicológicas, en torno al individuo. Las soluciones imaginarias a conflictos reales del ser humano son el resultado de la búsqueda, exploración, investigación, estudio, prueba/ensayo/error y experimentación a través de la Fotografía, el Arte de Acción, la Instalación y Videoarte. Los proyectos de corte interdisciplinar están caracterizados por el uso del espacio, tiempo, cuerpo, luz y composición como elementos con los que se compone la muestra final de un proceso con base referencial, visual, plástico, conceptual, simbólico, metafórico en el que se subvierte, transforma y transgrede la realidad de manera verdadera e intimista a través de la experiencia, el ritual y la celebración llevando a cabo un método instintivo que provoca una cierta extrañeza.

 

Cuerpo a cuerpo: En streaming
IV Encuentro de performances, música, vídeo y conferencias

Organiza
Centro de Arte La Regenta
Del 6 al 8 de de octubre
Horarios variables, consultar programa

Lugar
Sala Polivalente

Entrada gratuita, aforo limitado. 

Centro de Arte La Regenta
c/ León y Castillo, 427
35007 Las Palmas de Gran Canaria
Islas Canarias – España

Horario de sala
Martes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas /
sábados de 11:00 a 14:00 horas / domingos, lunes y festivos cerrado

Comisariado
Pedro Déniz

Colaboran
Conexión Canarias
Mojo Club

Organiza
Centro de Arte La Regenta

Logosímbolo del Gobierno de Canarias

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