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El fin del mundo como obra de arte (a partir de un libro de Rafael Argullol)

7 noviembre 2017 | Exposición actual

Exposición colectiva multidisciplinar. Del 17 de noviembre de 2017 al 13 de enero de 2018. Entrada libre.

El fin del mundo como obra de arte (a partir de un libro de Rafael Argullol)

Imagen | Toshio Shimamura. Serie Tournesol. Gelatina de plata sobre papel baritado. 122 x 99 cm. 2006. Colección TEA Tenerife Espacio de las Artes. Depósito Fundación COFF

El fin del mundo como obra de arte, muestra algo más de una veintena de autores con obras procedentes de las colecciones de TEA Tenerife Espacio de las Artes, a través de sus distintos fondos artísticos, de tal manera que en la selección de obras hay series procedentes de la Colección del Cabildo pero también de los depósitos de la Colección Ordóñez Falcón de Fotografía COFF) así como de Los Bragales, de Bibli Espacio de Arte y de colección privada.

Comisariada por el conservador de la Colección de TEA, Isidro Hernández, en esta muestra integrada por una treintena de piezas,dialogan obras de artistas internacionales de la talla de Zhang Huan, René Magritte o Toshio Shimamura, con creaciones de canarios como José Herrera, Julio Blancas, Karina Beltrán o Juan Pedro Ayala.

Pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones, creadas entre 1928 y 2016, componen esta exposición que reúne un conjunto de obras de arte y de autores que, a su manera, han concebido una idea de fin del mundo a través de sus obras. Es decir, una simulación o representación de la naturaleza sacrílega del ser humano en su huida hacia la autodestrucción y el fracaso. Sin embargo, esta exposición no ofrece una secuencia de imágenes apocalípticas o terminales, sino creaciones que, de alguna manera, aportan imaginación poética y destreza metafórica a la imagen del fin del mundo a través del drama de la condición humana.

La muestra toma como punto de partida un relato crepuscular del filósofo catalán Rafael Argullol, El fin del mundo como obra de arte (Editorial El Acantilado, 2007), donde utiliza diversos personajes históricos o mitológicos -como Prometeo o Fausto- abocados a un destino incierto. Sus ciegas esperanzas de futuro y su voluntad de perfección se trocaron en espejismo o inalcanzable utopía, y sus vidas, en fin, asumieron una renuncia y autodestrucción que bien pudiera asimilarse a los destinos de un gran número de hombres y mujeres de las sociedades contemporáneas.

Artistas participantes

Jocelyne Alloucherie (Québec, Canadá, 1947), Juan Pedro Ayala (Tenerife, 1972), Karina Beltrán (Tenerife, 1968), Julio Blancas (Las Palmas de Gran Canaria, 1967), Sema Castro (Las Palmas de Gran Canaria, 1960), Óscar Domínguez (Tenerife, 1906-París, 1957), Laurent Grasso (Francia, 1972), Laura Gherardi (Roma, 1969), Zhang Huan (Anyang, China, 1965), JOKO (Jost Karin, Zurich, 1966) & Regula J.Kopp (Zurich, 1968), Toshio Shimamura (Kyoto, Japón, 1953), José Herrera (Tenerife, 1956), René Magritte (Lessines, Bélgica, 1898-Bruselas, 1967), Gabriel Orozco (Veracruz, México, 1962), Lola Massieu (Las Palmas de Gran Canaria 1921-2007), Maribel Nazco (La Palma, 1938), Jesús H. Verano (Tenerife, 1970), Carlos Rivero (Tenerife, 1964), Juan Muñoz (Madrid, 1953-Ibiza, 2001), Israel Pérez (Tenerife, 1975) & María Requena (Tenerife, 1978), Sergio Acosta (Caracas, 1970), Günther Uecker (Wendort, 1930), Günther Förg (Füssen, Alemania, 1952-2013).

Actividades relacionadas:

  • Inauguración infantil: 17 de noviembre, a las 18:00 h.
  • Otra Mirada: 23 de noviembre, a las 19:00 h. A cargo de Fabiola Ubani
  • Arte en Familia: 14 de diciembre, a las 18:00 h.

Jocelyne Alloucherie (Québec, Canadá, 1947)

Sus trabajos fotográficos tratan de desplazar las percepciones del espectador. En la serie Monuments du Funambule explora el concepto de la desaparición de los espacios, que son propuestos al límite de sus posibilidades de visibilidad. De este modo, su realidad se difumina hasta casi hacerlos inexistentes. Lo captado por Alloucherie a veces se muestra casi como mera intuición o breve hallazgo en el entorno paisajístico. Sus obras han sido expuestas en varias instituciones de Canadá, Japón, así como en varios países europeos. Esta serie de fotografías pertenece a la Colección COFF Ordóñez Falcón de Fotografía, depositada en TEA.

Juan Pedro Ayala (Tenerife, 1972)

Ha trabajado la pintura, la cerámica, la escultura y la ilustración. Su obra va desde la figuración hasta la abstracción, de modo que en sus amantes o en sus árboles los referentes se muestran claros, como el drago que se multiplica en su Jardín para Mariam. En Sin red, por el contrario, lo evidente da lugar a la sugerencia, de tal modo que tras la obra se encuentra un fuerte peso reflexivo. Decididamente espontánea y resuelta en la inmediatez del trazo, la pintura de Juan Pedro Ayala se nutre de un vivo y desenvuelto impulso gestual. Su pintura adopta, en ocasiones, como sucede en este políptico integrado en la Colección TEA, la forma inacabada del fragmento o esbozo plástico, a la manera de una partitura inconclusa que el artista ha de llevar hasta el final en cada reposición o proceso, como si el color fluyese al tiempo que el propio discurso vital, ajena a fórmulas y convencionalismos. Esta pintura mural se lee de izquierda a derecha como si de un texto se tratara. Comienza en blanco, como un día nuevo o una vida que recién nace y finaliza en negro formalizando su opuesto. En medio, distintas tonalidades de azul y blanco, en referencia clara al tránsito por el espacio y el tiempo. Ayala ha expuesto en CICCA (Gran Canaria), el Ateneo de La Laguna, en la Galería de Arte Paz y Comedis (Valencia) o el Espacio Canarias de Madrid. La pieza expuesta pertenece a la Colección TEA.

Karina Beltrán (Tenerife, 1968)

Ha trabajado principalmente la fotografía y la acuarela. En su obra fotográfica tiende a fundar un lenguaje metafórico a través de sus series. En My body practicing being dead se muestra una sucesión de autorretratos en que el cuerpo practica yacer sin vida. La muerte, entonces, es ficticia, por lo que subyace una preocupación de carácter existencial, que redunda en la pregunta de cómo será el cuerpo cuando este no pueda ser percibido por la primera persona y en la representación del destino trágico. Su obra forma parte de las colecciones de TEA Tenerife Espacio de las Artes, Centro Atlántico de Arte Moderno, Centro de Fotografía Isla de Tenerife, Gobierno de Canarias y numerosas colecciones privadas. La serie expuesta fue adquirida por TEA en 2008.

Julio Blancas (Las Palmas de Gran Canaria, 1967)

Es uno de los artistas canarios de mayor proyección en la actualidad. Su trabajo parte de un conocimiento cabal del dibujo, siendo el grafito el elemento base, fundamental, del que se nutren sus creaciones. Sus obras emprenden un uso transgresor del dibujo mediante las tensiones que produce el movimiento y la yuxtaposición de superficies geométricas u orgánicas. Su obra se encuentra representada en varias colecciones públicas y privadas, entre ellas las del CAAM (Las Palmas de Gran Canaria), la Colección Bruno Bischofberger (Suiza) o en la Colección TEA Tenerife Espacio de las Artes. La exposición presenta la obra Gran políptico, compuesta por once piezas de grafito sobre madera, realizadas en 2002 y adquiridas por el Cabildo de Tenerife en 2007.

Sema Castro (Las Palmas de Gran Canaria, 1960)

Su trabajo indaga la potencia y capacidad simbólica de la imagen pictórica. Desarrolla su obra partiendo desde la idea de vacuidad en el espacio/tiempo, luego transita el caos, y finalmente trata la aproximación a una visión del orden y expresión sensible de la Naturaleza. Es aquí donde elementos de la tradición pictórica, la memoria y el gesto se organizan y manifiestan. Ha realizado veinte exposiciones individuales, trabajando asiduamente con las galerías: Estudio Artizar, La Laguna; Manuel Ojeda, Las Palmas de Gran Canaria; Contrast, Barcelona; y en la actualidad con Bibli, S/C de Tenerife y Estampa, Madrid. Además, ha participado en las ferias de arte: ArtMadrid con Galería Estampa; ARCO, ArteSantander, y NewArtBarcelona, con Galería Manuel Ojeda; Afforable Mexico, con Galería Pilar Cubillo; En latitude, Bienal de Dakar, Senegal.

Óscar Domínguez (1906-1957)

Tanto por la calidad subversiva de sus creaciones, como por su participación activa en el Surrealismo –episodio crucial en las artes de la Vanguardia del siglo XX–, Óscar Domínguez (Tenerife, 1906 – París, 1957) ha sido considerado, junto con Joan Miró y Salvador Dalí, el tercer gran nombre que España dio a la pintura surrealista. Si bien su infancia transcurre entre La Laguna y Tacoronte –donde su familia contaba con haciendas y plantaciones–, a partir de 1927 combina su residencia en París con varios viajes a Tenerife, hasta que, ya a partir de 1936, la capital francesa se convierte en su hogar definitivo hasta su muerte, un 31 de diciembre de 1957.

El nombre de Óscar Domínguez suscita evocaciones diversas: para unos es un pintor visionario, el inventor de la “decalcomanía”; para otros, el excelente constructor de objetos surreales –esas máquinas imposibles e insolentes, erotizantes y transgresoras, siempre poéticas–; y aún habrá quien aluda al artífice de inquietantes realidades oníricas que sacude, en palabras de Agustín Espinosa, “los raíles de un tren en llamas”. A través del rostro multiforme de su obra, de su subversión y renovación constantes, Óscar Domínguez representa al artista por siempre insatisfecho, al creador inconformista, libre en su libertad creadora. Sin embargo, esa fiebre inconstante de su pintura, movida por el exceso de experimentación, además de su carácter espontáneo, impulsivo y tragicómico de “disidente perenne –subraya Pérez Minik–, de esos que después de cualquier revolución no saben construir un mundo nuevo”, no siempre permitió a Domínguez apurar todas las posibilidades de sus propios hallazgos, por lo que su obra se convierte en una continua búsqueda de nuevas formas de pintar, dibujar y escribir.

Desde sus composiciones de influencia daliniana de principios de los años treinta –La bola roja (1933) o Le dimanche (1935)–; pasando por la genialidad de sus pinturas cósmicas –Los platillos volantes (1939)– y superando el período metafísico y la asimilación del estilo picassiano, ya en la década de los cuarenta –Mujer sobre el diván (1942)–; hasta alcanzar su técnica del triple trazo y, posteriormente, la etapa informalista que caracteriza a sus últimas obras –Delphes (1957)–, la fatal predisposición de Domínguez hacia los alucinados vericuetos de la imaginación y su permanente experimentación se convierten, finalmente, en la guía de todo su itinerario creativo. En efecto, el pintor tinerfeño se caracteriza por una práctica pictórica absolutamente enmarcada en la intuición onírica, presidida por un espíritu liberador en estado puro que está en perfecta consonancia con la maquinaria clandestina, vertiginosa e irracional del Surrealismo.

Laurent Grasso (Francia, 1972)

Artista que ha expresado su fascinación por las posibilidades visuales relacionadas con la ciencia y la energía electromagnética, ondas de radio y los fenómenos naturales. Trabaja con imágenes relacionadas con la historia del arte o el cine. Últimamente se ha adentrado en la escultura y la pintura o el dibujo. Su obra se encuentra en las colecciones de la Sean Kelly Gallery de Nueva York, en la Galería Edouard Malinque (Hong Kong) o la Galería Emmanuel Perrotin (París). Además, ha expuesto por todo el mundo, especialmente en Europa y Estados Unidos. Esta exposición exhibe varias serigrafías de gran formato en las que asistimos a la contemplación de dos tipos de escenarios: el edénico del comienzo del mundo, y aquel otro del cielo y el espacio sideral. El artista logra, así, visualizar y dar forma al olvido del hombre, a la suspensión del tiempo, tanto aquí en la Tierra como en aquello que, formando parte ineludible de ella, acaece en el espacio informe, cambiante y desconocido de las alturas. Laurent Grasso ganó el Premio Marcel Duchamp en su edición de 2008 con una obra audiovisual producida por TEA Tenerife Espacio de las Artes.

Laura Gherardi (Roma, 1969).

Su obra pictórica tiende a la creación de elementos de extrañeza, cuerpos híbridos y no identificables del todo en el plano de la realidad exterior, pero aportando referencias que albergan la esperanza de ciertas formaciones vitales dentro de cada una de las piezas. Así, Gherardi da vida a cuerpos que semejan animales o elementos de la naturaleza desde la reflexión del mundo y la indagación en las posibilidades de la vida en periodos de crisis existencial. La autora ha expuesto en Roma, La Habana, Casablanca, Agadir, y en algunas salas de arte de Canarias, como el CAAM, TEA Tenerife Espacio de las Artes, el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz o la Galería Artizar. La serie expuesta pertenece a la Colección TEA Tenerife Espacio de las Artes.

Zhang Huan (Anyang, China, 1965)

Es un artista polifacético que combina la performance, la fotografía, la escultura y la ilustración. Los temas que trabaja se insertan en la reflexión sobre el sufrimiento, la lucha de clases o el medioambiente. La serie que se presenta ahora en TEA Tenerife Espacio de las Artes, Family Tree, está formada por nueve fotografías de la cara de Huan a diferentes horas del día. Sobre su rostro, tres expertos en caligrafía fueron escribiendo palabras e historias de su cultura y sus ancestros. Se muestra una evolución desde los mensajes legibles de las primeras fotografías de la serie hasta lo ilegible de las últimas. Se va, por tanto, desde el mensaje armonioso con la cultura que se hereda hasta una crítica a la misma, que tapa por completo el rostro real que se esconde detrás de tantas historias y que hace que se pierda el punto de referencia inicial: la personalidad que muestra el rostro de Zhang Huan. Es, en cierto modo, una anulación del individuo; una de las posibles imágenes de fin del mundo. Esta serie pertenece a la Colección COFF Ordóñez Falcón de Fotografía depositada en TEA.

Joko. Jost (KarinZurich – 1966) & Regula J. Kopp (Zurich – 1968)

Bajo el nombre de JOKO, Karin Jost y Regula J. Kopp realizan desde 1955 performances a dúo que llevan el título de Connected. A lo largo de esas acciones, exploran los límites físicos y síquicos del ser humano. La mayor parte del tiempo se colocan frente a frente en sus acciones, con mínimos accesorios y atributos. Los temas que trascienden de sus obras son la resistencia, la tensión, la provocación, el deseo, la intensidad, el desagrado, como si se tratase de un verdadero combate de emociones. La serie expuesta pertenece a la Colección COFF Ordóñez Falcón de Fotografía depositada en TEA.

 

Toshio Shimamura (Kyoto, Japón, 1953)

La serie de fotografías Tournesol presente en esta muestra colectiva plantea una reflexión sobre el paso del tiempo. Se trata de unas imágenes que nacen como resultado de fotografiar girasoles en diferentes estados y en espacios oscuros, siempre con luz natural y con tiempos de exposición largos que permiten plasmar pequeños detalles y finas texturas. La obra de Shimamura conecta con la tradición y la cultura de Japón, un país politeísta donde se relaciona a los dioses con la naturaleza y donde la flor del cerezo es la flor simbólica, la más rápida en nacer y morir, en la que se representa el espíritu y la vida. Esta serie de fotografías pertenece a la Colección COFF Ordóñez Falcón de Fotografía, depositada en TEA.

 

José Herrera (Tenerife, 1956)

Artista de una trayectoria muy personal que inicia su andadura justo después de la irrupción de la llamada Generación 70 en Canarias. Es uno de los creadores más destacados del panorama nacional en la actualidad. Escultor que trabaja la pureza de la forma hasta acudir a su misma esencia, sus piezas no suelen tener referente directo en la realidad exterior sino que tienden a sugerir más que a permitir ser identificadas de forma directa, por lo que la posibilidad de significación se multiplica. Su obra se ha expuesto en la Galería Susanne Maüsli (Suiza), la Galería Oliva Arauna (Madrid), en el Art Forum Berlín (Alemania), en la Feria Internacional ARCO (Madrid), en el CAAM (Gran Canaria) o en TEA Tenerife Espacio de las Artes. La pieza expuesta en esta exposición pertenece a la Colección TEA Tenerife Espacio de las Artes.

René Magritte (Lessines, Bélgica, 1898- Bruselas, 1967)

La obra expuesta pertenece a su primera etapa pictórica, en la que asistimos a una atmósfera misteriosa y a un mágico reino animal. Su obra surrealista se nutre de las obsesiones de cierto onirismo figurativo y conceptual propias del grupo surrealista belga. La pintura de René Magritte expuesta es de gran singularidad, pues se aleja del conceptualismo objetual y lingüístico de su obra posterior, como en el caso de Ceci n’est pas une pipe, donde el lenguaje pone en duda lo representado, creando una suerte de traición o confusión. En cambio, en La sombra terrestre (1928), perteneciente a la Colección TEA, asistimos a cierta fascinación por la naturaleza en su estado de transformación constante y primigenio, espacio en el que la presencia de la naturaleza bestial de la Humanidad se percibe como una amenaza.

Gabriel Orozco (Veracruz, México, 1962)

Ha trabajado el dibujo, la fotografía, la escultura y la instalación. En su obra utiliza objetos de la vida cotidiana que frecuentemente son ignorados para extraer una significación conceptual de dichos elementos. Su carrera está marcada por el nomadismo desde sus inicios, por lo que es un elemento fundamental en la vida y trayectoria del autor. Ha expuesto en el Museo del Palacio de Bellas Artes de México, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Serpentine Gallery de Londres o el Museo de Arte Moderno MOMA de Nueva York. Las obras expuestas pertenecen a la Colección COFF Ordóñez Falcón de Fotografía depositada en TEA.

Israel Pérez (Tenerife, 1975) &María Requena (Tenerife, 1978)

Han participado en numerosas exposiciones colectivas entre las que destacan; Nueva isla de Utopía, Sala de Arte La Recova, 40 años después, Sala de arte La Recova. La imagen-Síntoma. Revisitando a Bill Viola, exposición vinculada a Liber-insularum, Bill Viola, Espacio cultural El Tanque, Tenerife; Rafter.No4. Keroxen 2011, Espacio cultural El Tanque, Tenerife; Arteamericas, Feria del arte latinoamericano, Miami, Florida, USA; Open Studio, El apartamento, Tenerife; Shadows of Silence, Ideobox artspace, Miami, Florida, USA; Lo que nos queda de románticos, Garachico, Tenerife; Cielo/Sky, Sister Cities, Felix Kulpa Gallery, Santa Cruz de California, USA; Time Out, II Segunda Bienal Internacional de arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias, Sala de Arte La Recova, Tenerife; Residencias Nómadas, Circulo de Bellas Artes de S/C de Tenerife; ARCO, Feria de Arte Contemporáneo, Madrid; Entre memorias y expectativas. Intervenciones en el espacio público 08, Guía de Isora, Tenerife; Siempre son otros los que mueren, Circulo de Bellas Artes, de Santa Cruz de Tenerife y Gabinete Literario.

Carlos Rivero (Tenerife, 1964)

Si bien gran parte de su formación como artista la recibe en Madrid, actualmente reside en Tenerife, donde expone regularmente. Su pintura se alimenta del impulso visionario de cierta tradición goyesca en la que, claramente, se inserta. Entre sus exposiciones podemos citar: Ciénaga, celebrada en la sala Sac y el Gabinete Literario de Las Palmas. Participaciones en el CAAM en On painting o en 7.1 Distorsiones, documentos, naderías y relatos. Ha expuesto en el TEA en las exposiciones Se rompió el cántaro o Zoologías fantásticas. Entre sus individuales destacamos: Joyas Bárbaras en el Círculo de BBAA, Cinismo o supervivencia en el Ateneo de La Laguna, Doble su memoria en la galería Artizar, Las vírgenes locas en la galería Bronzo de La laguna o Muerte y resurrección en Bibli (Tenerife).

Juan Muñoz (Madrid, 1953-Ibiza, 2001)

Está considerado un referente en la renovación de la escultura contemporánea, creador de un corpus artístico de una excepcional narratividad, con el que logra crear un espacio psicológico que implica al espectador y le obliga a reconstruirlo. Su concepción estética se basa en la creación de contenidos radicales con formas tradicionales. En sus veinte años de carrera expuso en Madrid, Valencia, Kassel y Londres. En 2001 realizó, por encargo de la Tate Modern de Londres, el montaje arquitectónico titulado Double Bind, para la colosal Sala de Turbinas.

Günther Uecker (Wendort, 1930).

El pasado día seis de febrero el museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf inauguraba una retrospectiva de la obra del creador alemán Günther Uecker, uno de los artistas más prolíficos y relevantes de la actual escena internacional, cuya obra ha tenido una influencia decisiva en las tendencias conceptuales del arte europeo a partir de los años setenta del siglo XX. Günther Uecker es internacionalmente conocido por su activa participación en el Grupo Zero, a partir de 1961, junto a Heinz Mack y Otto Piece, pero también por la realización de una obra rotunda y dinámica en la que destaca el uso de los clavos como primer elemento compositivo. Estas piezas forman parte, hoy por hoy, de los mejores museos de arte contemporáneo del mundo, y se encuentran en las colecciones del MOMA (Nueva York), del Courtauld Institute of Art (Londres), del Stedelijk Museum (Amsterdam) o del Centre Georges Pompidou (París). Paralelamente a la celebración de su exhibición en Düsseldorf, TEA Tenerife Espacio de las Artes presentó en sus salas la primera muestra individual de Günhter Uecker en España, coproducida con el Museo Internacional de Arte Contemporáeno (MIAC) de Lanzarote. La exposición mostraba sus series de acuarelas sobre papel realizadas durante la estancia del artista en la isla canaria de La Graciosa, compuesta por algo más trescientas obras fechadas entre 1983 y 2013.

Segio Acosta (Caracas, 1970)

Sus diversas inquietudes artísticas lo llevaron a iniciarse en la fotografía desde temprana edad y desarrolla esta disciplina a lo largo de los años. Desde sus inicios ha sido consciente del uso del arte fotográfico como herramienta introspectiva y de autoconocimiento. Esta idea siempre le ha interesado y le ha acompañado a lo largo de los años como contrapunto al desarrollo de su actividad como ingeniero. Como incansable viajero, escalador y montañero, ha recorrido gran parte de Suramérica, España, Marruecos, La India, Camboya, Tailandia o Laos y se ha acercado más a la fotografía documental. Sin embargo, no se limita a visitar lugares sino que busca la interacción del individuo con su entorno, sus tradiciones y la mezcla del paisaje humano con el paisaje ambiental. Gran parte de su obra gráfica está relacionada con arquitectura, documentalismo, viajes, naturaleza y deportes de riesgo, colaborando con diversas publicaciones de naturaleza, medio ambiente y deportes de montaña. Su proyecto fotográfico personal aborda su percepción de la sociedad ante la naturaleza y cómo se relaciona con ella, los paisajes antropizados, y cómo la huella humana modela el territorio. En otras ocasiones sus series toman el sentido inverso, desvelando cómo el medio marca y condiciona lo humano y lo social. En toda su obra las ausencias, los vacíos y la incertidumbre actúan como eje vertebrador de la eterna y delicada relación entre el hombre y su entorno. En los últimos tiempos experimenta con una fotografía más evolucionada, más conceptual y se centra más en su trabajo de autor. Su actividad artística, fotográfica y personal se encuentra en constante evolución.

Jesús Hernández Verano (Tenerife, 1970)

Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Su obra camina hacia fuera y hacia dentro. Su trabajo parece no tener una interpretación concreta sino que se mueve en la frontera entre lo que vemos y lo que pensamos, lo visible y lo invisible, lo concreto y lo abstracto. Es decir, el significado se halla en un espacio indefinido, que difiere tanto del aspecto formal de la pieza como de la mirada del espectador, llena de influencias externas. Las piezas Sombras de humo están determinadas en igual medida por la emocionalidad onírica y los impulsos conceptuales. Surgida originalmente de la necesidad de repetir exactamente una serie de elementos que lo han seguido a lo largo de su trayectoria, la memoria juega un papel preponderante y da forma a un tejido fragmentado, a un tejido superpuesto en capas.

Lola Massieu (Las Palmas de Gran Canaria, 1921-2007)

Se educó y crió junto a su tío Nicolás Massieu y Matos y su tío abuelo Nicolás Massieu Falcón, de donde aprendió los fundamentos en los que sustentó su brillante carrera posterior. A partir de 1940, comienza a realizar sus primeros aceites donde representa naturalezas muertas, retratos y paisajes.

Durante la década de 1950 continúa realizando obra figurativa, con temáticas similares a las mencionadas. A nivel técnico, introdujo en su obra los alquitranes. Descubre la atracción por el arte contemporáneo y el abstracto, de los que en Canarias apenas había referencias, lo que la convirtió en una pionera, siendo referente para muchos otros artistas isleños. Fue una rebelde en un universo plástico creado por hombres.

En 1958 realizó su primera exposición en el Museo Canario de Las Palmas de Gran Canaria, al año siguiente expuso en el Casino de Tenerife, y en 1961 creó el Grupo Espacio junto con Felo Monzón, Pino Ojeda, Rafael Bethencourt y Francisco Lezcano . Fue a partir de este momento que su pintura se empezó a relacionar con el expresionismo abstracto americano y el taquisme francés. Su obra quedó adscrita a los principios de la abstracción expresionista.

En 1962 exhibió su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona junto con Felo Monzón. Ese mismo año expuso también con Pedro González y Felo Monzón en el Spanisches Kulturinstitut de Múnich.

Participó en las Bienales del Gabinete Literario en los años 1960, 1962 y 1970,siendo este último año galardonada con el Premio de Honor y convirtiéndose en la primera mujer distinguida con este premio. Los años 60, 70 y 80 fueron los más fructíferos de la autora, con múltiples exposiciones en Canarias y en el Ateneo de Madrid.

En 1990 se le concedió el Premio Canarias de las Bellas Artes e Interpretación y en 1995 se le ofreció una muestra retrospectiva en la Fundación Telefónica.

Su obra se encuentra en el Museo Canario, en el de Arte Contemporáneo de Barcelona y en la sala Prado del Ateneo de Madrid, entre otros.

Maribel Nazco (La Palma 1938)

Sus inicios estuvieron marcados por un claro estilo figurativo. En 1963, se une al grupo “Nuestro Arte”, que la conduce por un universo constructivo y abstracto, en el que la figura humana aparece en todo momento, logrando así una reconciliación entre la forma y lo informe, entre lo figurativo y lo abstracto.

De aquella época surgió un carácter inconformista donde la experimentación y la búsqueda de nuevas formas de expresión derivaron en sus conocidos metales, una técnica escultórica a partir de grandes planchas de metal ensamblado, cuyos efectos se tornan pictóricos, gracias a los matices y tonos, resultado de la oxidación del metal y la incidencia de la luz en ellos.

La obra metálica de Maribel Nazco fue objeto, en el último tercio del siglo XX, de una importante atención por parte de la crítica, destacando a la artista como una de las voces más relevantes del arte español contemporáneo del momento. Es una figura imprescindible en el panorama artístico canario, cuya obra se encuentra en distintos museos, galerías y colecciones del territorio nacional e internacional.

En 2016 recibe el Premio Círculo de Bellas Artes.

Günther Förg(Füssen 1952-2013)

Estudió desde 1973 hasta 1979 en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Su primera exposición individual se celebró en 1980 en la galería muniquesa de Rüdiger Schöttle. De 1992 a 1999 enseñó en la Staatliche Hochschule für Gestaltung de Karlsruhe. En 1996, recibió el Premio Wolfgang Hahn. A partir de 1999, trabajó como profesor en Múnich. En 2007 abrió por primera vez una exposición en su lugar de nacimiento, Füssen.

Sus cuadros de abstracción geométrica, intensamente tintadas, tienen un carácter decorativo muy fuerte. Förg combinó materiales y medios diversos en la pintura, escultura y fotografía. Los temas de sus fotografías arquitectónicas a gran escala son de estética Bauhaus y fascismo, mientras que sus cuadros de pared monócromas y pinturas de plomo son reflexiones sobre el arte.

Förg fue mencionado en «Art now vol. 3», Taschen Verlag, 2009 como uno entre los 133 artistas vivos más interesantes. Según Artinvestor Magazine, 2009, Förg tiene un rango global como número 23 cuando se combinan diversos factores, entre ellos una base de coleccionista, resultados de subastas y red de galerías.

Exposición El fin del mundo como obra de arte

El fin del mundo como obra de arte (a partir de un libro de Rafael Argullol)
Exposición colectiva multidisciplinar

Fechas
Del 17 de noviembre de 2017 al 13 de enero de 2018
Inauguración: Viernes, 17 de noviembre, a las 20:30 horas

Comisariado: Isidro Hernández

Entrada gratuita

Visitas guiadas y talleres gratuitos para centros educativos y colectivos sociales.
Contactar con el DEAC para reservar plaza, grupos limitados.

Centro de Arte La Regenta
c/ León y Castillo, 427
35007 Las Palmas de Gran Canaria
Islas Canarias – España

Horario de sala
Martes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas /
sábados de 11:00 a 14:00 horas / domingos, lunes y festivos cerrado

Exposición producida por TEA Tenerife Espacio de las Artes, Cabildo de Tenerife
Colabora: Colección Ordóñez-Falcón de Fotografía (COFF), Colección Los Bragales y Bibli Espacio de Arte.

Centro de Arte La Regenta
Gobierno de Canarias

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