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Última pintura en las colecciones de la Fundación Coca·Cola y DA2 Salamanca

10 julio 2012 | Exposiciones

Última pintura es una exposición colectiva que reúne las obras pictóricas de una veintena de artistas, incorporadas recientemente a las colecciones de la Fundación Coca-Cola y el DA2 de Salamanca. La muestra, cuyas piezas son un excelente testimonio de las corrientes, estilos y tendencias del arte actual, llega ahora al Centro de Arte La Regenta donde podrá visitarse gratuitamente del 20 de julio al 13 de octubre.

Última pintura en las colecciones de la Fundación Coca·Cola y DA2 Salamanca

La Colección de Arte Contemporáneo Fundación Coca-Cola es un proyecto abierto que plantea un decidido diálogo con el arte de nuestros días y se hace cómplice de la constante expansión del arte contemporáneo.

Desde su constitución en 1993 la Colección ha reunido un importante conjunto de obras de la creación artística de la península ibérica, apasionante y llena de contrastes, que responde al compromiso de la Fundación Coca-Cola con el arte y los artistas de las dos últimas décadas, y a su interés por explorar y sentir el pulso de la producción artística en nuestra cultura.

Hace ya cinco años que la Colección está depositada en el Centro de Arte Contemporáneo DA2 de Salamanca y la magnífica colaboración entre ambas instituciones ha generado siempre un diálogo enriquecedor con el espectador. Fruto de tal compromiso, hemos querido presentar en el Centro de Arte La Regenta una exposición con obras pertenecientes a las dos Colecciones que muestra la pluralidad del arte español y portugués de la última década a través de sugerentes yuxtaposiciones visuales y diálogos que generan una nueva manera de ver y apreciar el arte contemporáneo.

Última pintura es una exposición colectiva que reúne las obras pictóricas de una veintena de artistas que se han incorporado en los últimos años a las colecciones de la Fundación Coca-Cola y DA2. La mayoría de las obras han sido realizadas entre los años 2003 y 2011.

La muestra estará abierta al público en el Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria, desde el 20 de julio al 13 de octubre de 2012.

Artistas en la exposición: Gabriela Albergaria, José Manuel Ballester, Victoria Civera, Philipp Fröhlich, Pep Girbent, Rubén Guerrero, Secundino Hernández, Chico López, Cristina Lucas, Armando Mariño, Antonio Mesones, Gorka Mohamed, Adriana Molder, Antonio Montalvo, Nico Munuera, Jorge Perianes, Manuel Saro, Gonzalo Sicre, Joan Soler, Hugo Alonso, Jesús Alonso, Pablo Alonso, José María Beneitez, Virginia Frieyro, Arancha Goyeneche, Alfonso Sicilia y Juan Zamora.

 


Gabriela Albergaria
Vale de Cambra – Portugal, 1965. Vive y trabaja entre Lisboa, Berlín y Nueva York. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Oporto, desde 1990 ha participado tanto en muestras colectivas como en exposiciones individuales.
Empleando diferentes métodos, desde la fotografía, el dibujo, la instalación o la escultura, siempre ha situado la naturaleza como eje principal de sus propuestas artísticas.

José Manuel Ballester
Madrid, 1960. Pintor y fotógrafo, es Premio Nacional de Fotografía 2010. Sus obras forman parte de los fondos del MNCARS, Museo Marugame de Arte Contemporáneo Español de Japón, IVAM de Valencia, Museo de Arte de Miami y Cisneros Fontanals Art Foundation de Miami, Central Academy of Fine Arts de Pekín, Patio Herreriano de Valladolid, 21 Century Museum de Kentucky, Museo Würth de Logroño, Fundación Telefónica, Banco Espíritu Santo y Fundación Coca-Cola, entre otros.

Victoria Civera
Valencia, 1955. Vive y trabaja en Nueva York. En su obra predomina una iconografía de marcado corte feminista donde aparecen jóvenes con apariencia de hadas, muchachas desafiantes y objetos relacionados con el mundo femenino para hacer reflexionar al espectador sobre el papel de la mujer en la sociedad contemporánea. En su producción escultórica, emplea todo tipo de materiales, recurriendo especialmente a objetos reaprovechados como hebillas, zapatos o vestidos, elementos que remiten a la figura femenina tan presente en su obra.

Philipp Fröhlich
Alemania, 1975. Desde 2002 reside y trabaja en Madrid. Paralelamente a sus estudios universitarios, durante 1997 y 2001 trabajó como escenógrafo y asistente de escenografia en teatros de Hamburgo, Stuttgart, Düsseldorf, Neuss y Essen. Su obra desprende una gran fuerza debido a su lenguaje. La temática más empleada es el paisaje, destacando técnicamente sus pinturas por las pinceladas sueltas que recuerdan al puntillismo, tratando de captar la atención del espectador creando un efecto de desenfoque en el primer plano que se va suavizando conforme avanza hacia el exterior del cuadro.

Pep Girbent
Mallorca, 1966. Sus foto-pinturas se codean con la figuración y la abstracción, aunque superando ambas. Su pintura tiene su origen en la concepción del espacio de Rotkho aunque Girbent le imprima su propio quehacer artístico. El mundo visto así adquiere un carácter enigmático y fugaz, como la alucinación y el sueño. De igual manera, en su obra está presente Gerard Richter, traducido éste en una obertura de la pintura frente a la fotografía, tomando la fotografía, manipulándola, negándola incluso.

Rubén Guerrero
Sevilla, 1976. Este artista además de reflexionar sobre si la pintura es capaz de representar el mundo real también se preocupa por mostrar algunos de los problemas más comunes en nuestro tiempo. Así por ejemplo, a través de un paisaje trata de incitar al espectador a que reflexione a cerca de la contaminación de los parajes naturales. Técnicamente, Guerrero utiliza el esmalte y el óleo consiguiendo superficies densas y brillantes que no dejan ver la trama del lienzo pero le dan una extraña consistencia.

Secundino Hernández
Madrid, 1975. Realizó sus estudios vinculados con el mundo de las Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Entre numerosos premios y becas, en 2006 fué seleccionado y becado por la Academia de España en Roma, donde continuó su formación y en 2007 en Viena trabajó para la Galería Krinzinger Projekte. Actualmente desarrolla su labor artística entre Madrid y Berlín realizando ambiciosos proyectos por todo el continente europeo, tanto en exposiciones colectivas como individuales, siendo considerado uno de los artistas emergentes del panorama español.

Chico López
Jaén, 1967. Durante varios años ha estado incluyendo en sus dibujos frases en diferentes idiomas, aludiendo al distanciamiento entre la obra y el espectador, o bien, dichas frases, señalaban el guión de sus jeroglíficas imágenes, intentado establecer así el tema de diálogo entre el espectador y el artista. Desde 2003 trabaja en dibujos que franquean con frecuencia esa condición para no renunciar a ser cuadros. Su obra oscila entre lo reconocible y lo que no lo es.

Cristina Lucas
Jaén, 1973. Las investigaciones de la artista se centran en las estructuras de poder desde un punto de vista cultural y en la crítica de género, así muchas de sus obras nos muestran como aún en nuestra sociedad la mujer continúa sometida al orden patriarcal. Estéticamente sus obras muestran cierta inocencia, esto le permite poder articular un discurso irónico y crítico para tratar asuntos que generan problemas en nuestra sociedad. No dramatiza ni representa victimas en sus trabajos sino que trata de buscar el origen y los estereotipos de algunos de los problemas de la sociedad contemporánea.

Armando Mariño
Cuba,1968. Investiga por una parte sobre lo que significa la “periferia cultural” y por otra trata de encontrar referencias discursivas en el arte contemporáneo. Sus obras más recientes muestran escenarios reales donde algo trágico ha sucedido, sin embargo, ahora se centra en los interiores de las casas derruidas o abandonadas que acogen los recuerdos de los que allí habitaron. En estos lienzos Mariño trata de disolver los límites entre figuración y abstracción mostrando imágenes distorsionadas por la violencia.

Antonio Mesones
Cantabria, 1965. Su pintura se caracteriza por una creación muy reflexiva que responde a profundas emociones y sentimientos. Además ésta es silenciosa, tranquila y poética. Los elementos clásicos de la tradición pictórica han sido eliminados a favor de otros, tales como la forma, el color o la composición, sin que se trate de propuestas puramente formalistas.

Gorka Mohamed
Santander, 1978. Realiza un tipo de pintura difícil de describir por la multitud de temáticas y los ambiguos lenguajes empleados. Los trabajos del santanderino se originan a partir de la realidad del mundo contemporáneo pero adquieren tintes surreales e incluso alucinatorios cuando son pasados al lienzo. Estéticamente la producción de este artista se caracteriza por su sensualidad y el desconcierto que causa a primera vista.

Adriana Molder
Lisboa, 1975. Su formación se forjó bajo la Dirección Plástica de Espectáculos en la Escuela Superior de Teatro y Cine y realizó estudios de Dibujo Avanzado y Artes Plásticas. Su preparación se logró gracias a becas que disfrutó, entre otros lugares, en la Residencia Budapest Galería (2005) y en el Centro Nacional de Cultura de jóvenes Creadores (2004). Pertenece al grupo de artistas contemporáneos de gran nombre y valor dentro del ámbito pictórico, puesto que es considerada, tanto por la crítica nacional como internacional, un gran talento emergente de la pintura. Esto ha conllevado que se haya convertido en un referente en el ámbito pictórico.

Antonio Montalvo
Granada, 1982. Su producción apuesta por aunar el espacio museístico y las funciones de éste, elaborando así una nueva pintura narrativa. El pintor además sitúa obras dentro de sus obras, abandonando las formulaciones “apropiacionistas” clásicas, tratándolas como un motivo más del relato. El resultado son unas pinturas misteriosas, inquietantes y difíciles de clasificar.

Nico Munuera
Murcia, 1974. Es conocido en el mundo del arte sobre todo por sus pinturas sobre lienzo pero también ha trabajado otras disciplinas, así por ejemplo, ha realizado maletines escultóricos, fotografías de paisajes y dibujos sobre papel. Sus cuadros reflejan un uso muy personal de los campos de color, que en la mayoría de los casos se nos presentan en horizontal pareciendo unirse unos con otros de manera muy sensual.

Jorge Perianes
Ourense, 1974. Su obra pictórica toma como temáticas principales la naturaleza y su vitalidad así como los pequeños sucesos de la vida cotidiana, tratando de sacarle el máximo partido a estos simples argumentos a través de la tensión y la ironía.

Manuel Saro
Madrid, 1970. Dedica la mayor parte de sus investigaciones a buscar la forma de plasmar emociones y sentimientos a través de la geometría. Para el madrileño un cuadro es una estructura de espacio y en base a esta premisa articula todas sus composiciones. En su pintura mezcla la figuración y lo abstracto consiguiendo crear obras en las que se unen el ilusionismo de tradición barroca y la estructura matemática del neoplasticismo holandés. Su estilo podría decirse que iría desde las vanguardias constructivas hasta el minimalismo, pero siempre sus obras presentan una originalidad propia.

Gonzalo Sicre
Cádiz, 1967. Es uno de los artistas figurativos más interesantes del panorama nacional y su obra puede etiquetarse como partícipe de la Pintura neo-metafísica, la misma que cuenta entre sus filas con Charris, Joel Mestre o Dis Berlin. Su propuesta se basa en el abandono de la narración o la anécdota y en la apuesta por concentrarse en los aspectos más luminosos de la plástica. Su producción hace alarde de una luz triste e inquietante, mezclada con una tenue melancolía, de composiciones reposadas y ordenadas lo que le convierten en deudor de la estela de Hopper y de su misma inquietud, tan cercana al misterio que tan bien plasmó el artista estadounidense en su quehacer.

Joan Soler
Mallorca, 1965. Artista dedicado a la arquitectura y la pintura además de practicar la fotografía eventualmente. Su estilo pictórico se podría definir como “abstracto no puro” donde la influencia de la geometría de Mondrian es muy evidente. Él no trata de imitar al pintor holandés sino que pretende trasladar su concepción de la pintura al presente para configurar un estilo propio en el que el lenguaje empleado y los conceptos que se pretenden mostrar ofrecen interpretaciones complementarias. Soler entiende la pintura como un reducto simbólico en el que se encuentran las formas surgidas de la mente humana, la geometría, y de la tradición artística, como bien ejemplifica su admiración a Mondrian, además de la naturaleza.

Hugo Alonso
Soria, 1981. Su obra puede considerarse un magnífico ejemplo de la promiscuidad mediática que caracteriza a la creación contemporánea. En su caso, resultaría inútil hablar de pintura, fotografía, vídeo o imagen digital. Estos lenguajes conviven y se complementan sin que sepamos bien dónde se encuentran los límites entre disciplinas. En su trabajo encontramos referencias extraídas de la pornografía, los videoclips, la publicidad, el cine de Cronenberg, y la hoy generalizada violencia televisiva.

Jesús Alonso
Bilbao, 1958. Cursó la carrera de Bellas Artes, licenciándose por la Universidad Complutense de Madrid y titulándose en grabado por la Escuela Nacional de Artes Gráficas. Compagina su producción con la actividad docente en la Universidad de Salamanca. Se nutre de técnicas y temáticas clásicas hasta alcanzar la madurez estilística para, finalmente, teñirla de su pasión por el “trompe-l´oeil” y las anamorfosis; con ambas técnicas, el artista juega, divertido y perverso, con la perspectiva y el modo en que nuestra mente interpreta lo que le transmite la vista.

Pablo Alonso
Gijón, 1969. La reflexión histórica y su representación ilustrada son una constante en su obra, un procedimiento que le lleva a imbuirse de noticias y eventos mediáticos que se relacionan abarcando diferentes campos, tales como la sociedad, la política, la cultura, etc., utilizando, en ocasiones, fragmentos icónicos de una historia reconocida, planificando cuidadosamente la ubicación de cada escena, para componer una obra crítica con el sistema, que toca, a veces de forma escandalosa, la fibra sensible de un público incapaz de permanecer indiferente ante las imágenes que nos presenta.

José María Benéitez
Zamora, 1955. En los últimos años ha trabajado sin ningún prejucio tomando elementos de la alta y baja cultura. Con un tratamiento heterogéneo plantea una poética basada en el fragmento, en la cita, en lo hipertextual, en lo narrativo no convencional pero sin actitud pretenciosa.

Virginia Frieyro
Madrid, 1973. Las pinturas de Virginia Frieyro representan grupos de personas, muchas de ellas que acuden a aglomeraciones tan de moda en nuestra sociedad contemporánea, conciertos, manifestaciones, actos sociales, inauguraciones, eventos deportivos, etc. Cámara en mano recorre las calles para poder fotografiar a las masas, gente que camina envuelta en un anonimato arropado por miles de almas con las que comparte la misma idea. Su pintura representa la calle y las diferentes personas que en ella se encuentran, son paisajes urbanos nada extraños para el espectador.

Arancha Goyeneche
Santander, 1967. Términos como “pintura expandida” o “pintar sin pintura” son adjetivos que se adscriben de forma constante al trabajo de Arancha Goyeneche. Tras los intentos de la pintura por alejarse de la representación de la realidad y del propio término que la define, Goyeneche se mueve en un terreno en el que los límites entre las disciplinas se encuentran bastante difusos (pintura, escultura, instalación), pero sin renegar de un ambiente estético que aporta el color.

Alfonso Sicilia
Madrid, 1963. Sus pinturas abstractas aparecen llenas de formas geométricas y de líneas de colores brillantes que se cruzan y superponen entre ellas. Algunas de las formas utilizadas en sus obras son recuerdos subconscientes de ciertas decoraciones que se usaban con asiduidad en los años 60 o 70 y que hemos podido observar y observamos actualmente evolucionadas en diferentes medios de transporte que cruzan nuestro paisaje urbano (autobuses, coches tuneados, etc.). Junto a ellos el diseño industrial, algunas formas arquitectónicas o conceptos futuristas de formas redondeadas y orgánicas son influencias importantes a la hora de componer su trabajo.

Juan Zamora
Madrid, 1981. En su obra suele combinar la técnica del dibujo, componiéndose éste de una línea clara, simple y en ocasiones precaria, con la pintura acrílica y la fotoluminiscente en diferentes soportes electrónicos. Desecha lo mecánico, lo fácil, apostando por lo que le parece más absurdo, raro o estúpido. Sus dibujos, en apariencia muy superficiales, están muy elaborados. La expresividad de sus dibujos se debe a la reducción tonal, la frontalidad, la planitud y la centralidad. Sus obras responden a una clara dualidad, pues por una parte hacen gala de una estética que recuerda a lo naif y por otra esconde un trasfondo bestial, carnal y visceral. El ambiguo grupo de personajes, animales y monstruos que pueblan sus creaciones surgen de sus experiencias cotidianas y a su vez se ven muy influenciados por los videojuegos.

 

Exposición Última pintura, colecciones DA2 Salamanca y Fundación Coca·Cola Centro de Arte La Regenta Las Palmas de Gran Canaria

ÚLTIMA PINTURA en las colecciones de la Fundación Coca-Cola y el DA2 de Salamanca
Exposición colectiva

Fechas
Del 20 de julio al 13 de octubre de 2012
Inauguración: Viernes 20 de julio, 20.30h

Entrada gratuita

Centro de Arte La Regenta
c/León y Castillo, 427
35007 Las Palmas de Gran Canaria
Islas Canarias – España

Horario de sala
Martes a viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00h
sábados de 11.00 a 14.00h / domingos, lunes y festivos cerrado

Producción
Centro de Arte La Regenta
Fundación Coca-Cola Juan Manuel Sáinz de Vicuña

Fundación Coca-Cola Juan Manuel Sáinz de Vicuña


Colabora
Domus Artium DA2, Salamanca
Domus Artium DA2, Salamanca

 

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